语意清新是我师

——读贺文庆的油画

文/崔自默

以绘画最为生存方式，无疑是幸福的，也只有这时的艺术家，才有机会触摸到艺术的本态。我羡慕贺文庆，因为他就是这样的一位艺术家。

与贺文庆相识是一个偶然的机会，后来接触多了，越来越感觉到他对于生活和艺术之态度的真实。我们一起到京东的河边拍照，一起亲近带着大地清新之气的花草树木。文庆对光线的感觉和把握十分敏感到位，他总能拍摄到许多很有意味的镜头。他的大部分油画，都是在反复的构思之后，把模特置于自然的背景之中，认真琢磨构图，其中将涉及到身姿、服饰、手形、眼神等很多细节，在此基础上进行反复的提炼，使形象更加典型化、艺术化。他的艺术的真实性，来源于现实生活的真实性，于是在超越中得到完善和完美的表达。

人类文明的特征之一，就是进行彼此的心灵交流，而交流的工具，最直接也最有效的表达方式就是视觉。视觉形式，比之于较为深层次的语言思想交流，虽看似最原始，但却涵蕴着最有活力也最有力量的因子。观看总是先于语言的，绘画作为交流的一种方式，也可以当作一种“语言”，于是有了各种符号的与风格的划分。语言的魅力所在，不仅仅在于其可以包含着丰富思想内容，更在于它可以借助不同的形式来完成。采取怎样的语言形式，是个人的自由，然而一旦从个体个性的阶段进入到群体的公众的交流层次，就必须考虑形式问题。我喜欢明快的表达，也相信丰富的内容也一定能经由简单的形式来表现。我喜欢贺文庆的绘画，因为他的语言清新。

用清新的话语方式，来表现最原生态的思想，或者说是生存态度、浪漫追求，我以为那是贺文庆的艺术理想和追求。生活于现实环境的人，总是或多或少地受到各种问题的纠缠与烦扰，如何面对它处理它并走出它来，进入自由自在的状态，是值得每一个人终生探索的话题。古往今来无数的哲人先贤，通过连篇累牍的文字，也无非是想表达这样一个命题。作为视觉艺术家的画家，他们不必主动承担哲学家的责任，也不必在自己的作品中装入过多的哲学的思维，他们最应该做的是如何使画来说话，而不是抛开画笔用自己的嘴巴来讲道理。

贺文庆有理论基础，研究中外画史、美术理论，但生活中的他，不像他的文字文章那样“流畅”，可以感觉到，他更喜欢的沉默，更喜欢把满脑子的想法和满腔的激情，浇灌到画面上。他的想法和激情，却又不是没有节制的，而是条理清楚的，自自然然的。他必须把自己的激情，有效地控制在自己的画笔下。“高贵的单纯，静穆的伟大”，歌德重视他的美术老师奥塞尔教导他的这句话，而希腊古典文学艺术的本质也以此标识”，乃是因为最纯粹的理想之美，总是单纯、静穆、清新、温和的。在单纯与静穆的引导下，我们可以进入一个崇高的空间，从中感受到的超越现实的力量，启发人思索真、善与美更深层次的内涵。事实上，“静”中寓“动”，安静的画面上，人物身姿的些许动势，便有充盈画面的张力，正如古希腊的悲剧和喜剧，正如文艺复兴时期米开朗基罗的许多雕塑作品，在显著的对照中，在单纯的和谐的美的基调上，走向更深层的美，那是一种接近壮美的、雄浑的、大和谐的形而上的境界——崇高。崇高，不是靠物质的攀爬，而是大美精神的沉积，莱辛盛赞古希腊人的造型，“在一切激情之下”仍表现出一种“伟大而沉静”，正道出了巨大的激情与非凡的毅力的融合的难能可贵。

我见过很多艺术家，情绪来了便开始糊涂乱抹，于是他们的画语不能确切地表达他们的想法。如何通过画面来沟通画家的思想与读者的认识，是美学研究的课题，也必须引起实践中的画家们的重视。我欣赏贺文庆的定力和主见，他既有了自己的生存态度和艺术理想，就不懈地追求下去，没有三心二意。最重要的是他有追求，能冷静地把理性和诗情成功地融为一体，简洁明确而又朝气蓬勃，庄严肃穆而又想象丰富，既重视了艺术的表现形式也关注了艺术的审美心态。大凡一流的艺术家，其才智之高于一般人自不必说，同时应该看到，他们也同时具备普通人不具备的素质，那就是勤奋。没有大量的劳动的积累，难以想象一个优秀的油画家的大量的杰出作品的诞生。贺文庆走的是人物写实画派之路，他与王沂东、杨飞云、艾轩等画家一样，都靠作品说话。他的每一张油画，总要花去一个多月的时间，在这段时光里，在画室的画布面前，一定有着寂寞的感受，但必须经受。从朦胧的画意到草图，到雏形，到完成、完善，其间的艰辛是自然的。把艰辛化作乐趣，把寂寞变成幸福，难道不正是哲学家们所要思考的可能性么？

我和文庆经常交谈，虽然我画国画他画油画，画种不同，但艺术规律是一致的。大量的类似于劳动的艺术实践，是产生绘画大师的必经之路，无论他有多大的天才。投机取巧的艺术家，虽然有些许的零星想法，但苦于技法不逮，不能恰当地如期地表达自己的想法，于是往往在一段彷徨之后，打消了积极性。起初似乎有些愚笨的艺术家，往往成功，因为他们在大量的艺术“劳作”中，开始给灵性找到了疏通的渠道，进而铺陈到画面上。中国古代的哲人庄子，通过庖丁解牛的故事来指出“技进乎道”的客观规律，有其刻苦用心，除了社会学政治心理学上的意义之外，就在于展现了自然中量变与质变的关系。社会学艺术学虽然注重感性认识，却恰恰忽略了理性规律仍然在发生着巨大的作用。量变引起质变，艺术规律亦然，认识到这一点的类似工匠一般的艺术家，都成了大师，而徘徊犹豫的所谓的艺术天才，都半途而废了。

技法，既是客观的，又是主观的。绘画经历了这么多年的发展，技法可谓丰富无比，但每一个画家，却只能认定一种适合于自己的方法。认定之后，就坚持下去、熟练下去。风格的形成与确立，必然避免三心二意、心猿意马，否则就会把自我面目和既有的一点成绩丧失在所谓的探索的进程中。风格无所谓变化，只有完善、再完善。贺文庆的技法道路，很值得欣喜，他没有绕弯路，而是沿着一条可行的大路往前走着。我猜测，也许他有时也留恋于路边的小径，也受到其他岔路的诱惑，但他没有因之而走偏。“大道甚夷，而民好径”，老子如是说，也是提示了大道的似乎乏味性。没有兴趣不能成功，只因兴趣而不付出努力也不能成功。

文庆的画风决定了他必须付出兴趣之外的大量的努力。他的画风是清新的，里面却蕴涵着无限深情。修养，就是有所规矩、含蓄。深情，不能张扬，必须规范在平实的表面背后，才是真情。画面看上去是普普通通的，平常的景象里面是平常的人物，而恰恰在这当中，所传达是对乡情的眷恋。我喜欢文庆的画，喜欢他画中的人物，那人物不是情绪激扬的那种，反而似掩藏着一股淡淡的愁绪、幽情。他喜欢画少女，情窦初开，衣服素雅整洁，置身于乡景中。他的《又到秋天》，是少女在收获向日葵的情景，少女穿着青色有暗花的上衣，裤子是灰黄色的土布，文庆用典型化和夸张化的手法，把她描绘得显然不似农家的孩子，但我喜欢，我喜欢这种超然出尘的感觉。“清水出芙蓉”的意象，就是在俗常的生存状况中，寄托世外的或者更为理想的情结、幻想、梦想。

“乐其日用之常”，我极为赞叹朱熹评述《论语》中孔子的生存态度，“浴乎沂，风乎舞雩，咏而归”，那是多么俗常的生活内容啊，但又是多么难以永恒地拥有的内容，尤其在当今这个商品经济的年代。我不奢望能回到田园生活的自在的童年，我也不奢望群体的社会生活能统一到实实在在的状况，但我奢望在内心永远拥有这么一分清新的感受。文庆的画给我这种感受的契机，也启发我思考，这种唯美主义的艺术追求，对实际的生活的重要性究竟有多大。意义，也是一种感觉，没有绝对的客观的尺度以衡量，我愿意感觉这种意义。

感谢贺文庆。